2011/05/31

El Mega - Super Grupo

Chad Smith, Joe Satriani, Sammy Hagar y Michael Anthony.
Uno toca la batería en un grupo consagrado desde los 80's, el cantante y bajista han formado parte de una banda legendaria que data desde los 70's, el de la guitarra es un maestro que cuenta entre sus estudiantes a grandes leyendas.

Ellos son los integrantes de Chickenfoot, Chad Smith (batería de Red Hot Chili Peppers), Sammy Hagar (ex vocalista de MontroseVan Halen), Michael Anthony (ex-bajista de Van Halen) y Joe "Satch" Satriani (maestro de guitarra con ilustres alumnos en su haber), ¿alguna objeción?

Según los expertos, un Supergrupo está formado por artistas ya consagrados (ya sea como solistas o por su pertenencia a grandes bandas). De acuerdo a esa definición, este no es un supergrupo, es un Mega-Supergrupo.
Formado en 2008, el cuarteto ha producido un álbum en estudio (Chickenfoot, 2009) y un DVD en directo (Get your buzz on, 2010). Anthony y Hagar están de lleno en el proyecto, mientras que para Satriani y Smith es un programa paralelo, pues sus trabajos individuales los mantienen intactos, por ejemplo, Joe Satriani ha producido un álbum de estudio y un álbum/DVD en vivo en el mismo período de tiempo. Por su parte, Chad Smith se mantiene en Red Hot Chili Peppers y, además, tiene un proyecto denominado Chad Smith's Bombastic Meatbats.

¡Vamos al grano!, el disco debut de Chickenfoot es una gran cosa, en cada pieza se nota la maestría de Satriani, quien ya nos tiene acostumbrados en sus trabajos en solitario a mostrarnos su dominio de todas las técnicas existentes en el arte de la guitarra, por algo es mi guitarrista de Rock favorito (esperen un artículo dedicado exclusivamente para él en un futuro no muy lejano). La percusión por parte de Smith es la perfecta compañía, ni más ni menos, a la altura de las circunstancias. El bajo de Anthony no se queda atrás, quienes le conocemos desde su etapa con Van Halen recordamos sus solos de bajo con la "Jack Daniels". Finalmente, Sammy aporta su carisma y su voz para esta gran producción.

El DVD en directo "Get your buzz on" recoge los éxitos del álbum. Entre otras sorpresas, el concierto contiene covers de Led Zeppelin (Immigrant song), The Who (My generation) y Montrose (Bad motor scooter).

A continuación pueden apreciar partes de ese concierto llevado a cabo el 23 de septiembre de 2009 en Phoenix, Arizona, y ver como estos tipos se divierten haciendo lo que más les gusta: ¡buena música!

Ambas producciones merecen ser compradas y no deben faltar en una colección musical que se jacte de recoger lo mejor del Rock en la historia.


"Learning to fall"


"Soap on a rope"


"Down the drain"


"Oh yeah"


"Get it up"


"Immigrant song"


"Turnin' left"


"Bad motor scooter" & "My generation"

2011/05/26

Rockero, Jazzista, etc. ¿Te gusta el Bajo?.. A Él debes escuchar.

No importa el género musical de tu preferencia, en todos, el bajo es un instrumento esencial que marca la pauta de la melodía. Pero hay UNO que elevó este instrumento hasta las cotas más altas, dándole protagonismo de primera en cada ejecución.
JACO PASTORIUS. Un autodidacta que comenzó tocando un instrumento relativamente nuevo, el bajo eléctrico, hizo que ejecutarlo se convirtiera en un verdadero arte, al contrario del papel de instrumento de segundo plano y/o de acompañamiento,  al que estaba relegado. Jaco hizo del bajo eléctrico una forma de expresión primaria, lo elevó a instrumento principal.
Pionero en el género, elimino los trastes de su bajo Fender de forma manual , para convertirlo en el primer Fretless, el cual alcanzaba sonidos similares al contrabajo clásico, ya conocido por todos en el mundo del Jazz. Sus ejecuciones eran esperadas, admiradas y ovacionadas por  la audiencia a tal grado de lograr con el bajo lo que otros grandes hicieron con sus respectivos instrumentos (Miles con la trompeta, Parker y Getz con el saxofón, Bill Evans  con el piano...).
En su vida profesional tocó al lado de grandes, formó parte de Weather Report y de la banda de Joni Mitchell. Con Pat Metheny y Bob Moses realizó en trío el álbum "Bright Size Life" (1976), el trabajo previo al primer disco como solista del famoso guitarrista.


Como todo genio, la vida de Jaco estuvo plagada de altibajos, padeció de trastornos mentales, por los cuales las medicinas recetadas le impedían tocar su instrumento. Todo eso lo condujo a caer en una espiral de drogas y alcohol, que lo llevó a morir en la miseria a causa de una paliza.
Sin embargo, su legado es muy grande dentro del Jazz y la música en general. Para honrarlo presentamos parte de la música de su DVD, "Jaco Pastorius live in Montreal". Vean al pionero, y disfruten.

"Chicken"


"Donna Lee"


"Bass Solo"


"Fanny Mae"


"Amerika"

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Degusta aquí, el audio del concierto

El Gran Director y los Planetas de Holst.

A veces, en aquellas noches eternas de juegos de Dungeons & Dragons, la atmósfera era amenizada por música que tuviera que ver con la aventura. Fue en una de esas, donde nos preparábamos para la batalla, cuando el Dungeon Master de turno llevó una banda sonora para contextualizar lo que se nos venía encima. Lo que escuché era algo fenomenal, como si al estar en las trincheras nos preparaban para una de esas gestas de las cuales no sabíamos como íbamos a terminar, pero que, definitivamente, lucharíamos.
Al final de la batalla ficticia, pregunte de Quién era esa música y Quién la dirigía, la respuesta fue, "de Gustav Holst, y la dirige Herbert Von Karajan".
Ese fue mi primer contacto con uno de los más grandes directores del siglo XX. Oriundo de Austria, es de los que más grabaciones ha hecho en la historia de la música clásica, y hasta la fecha, ha vendido tantos discos como los artistas Pop más exitosos. Su vida estuvo cargada de polémica por su militancia al partido Nazi antes de la guerra, lo cual le trajo  muchos inconvenientes durante la postguerra. Pero es innegable su aporte al mundo de la música, no solo clásica, pues impulsó el formato digital que usamos en la actualidad.
Tuvo mucho que ver con el desarrollo del CD, y en sus inicios apoyó la creación de la música digital apareciendo en público para promover la nueva tecnología.
El sello Deutsche Grammophon es pionero en grabaciones digitales para música clásica, con el cual, Karajan tuvo el privilegio de realizar la primera grabación para este formato.

Fruto de esas noches de juegos de rol mencionadas al principio, el disco presentado hoy es "The Planets", de Gustav Holst, con el gran director a cargo de la Orquesta Filarmónica de Berlín.
Inicia con Marte, "el que trae la guerra", digna de representar una batalla de principio a fin, mostrándonos al Dios de la guerra con toda su furia. A ella le sigue Venus, la paz, perfectamente descriptiva con el motivo, posterior a la batalla, donde las heridas se curan, se llora y honra a los caídos en la lucha. Cada pieza representa a los planetas y su respectivo significado mitológico... Mercurio, el mensajero; Júpiter, la celebración; Saturno, la experiencia; Urano, la magia; Neptuno, la mística.

En este vídeo tienen una interpretación de Marte, "el que trae la guerra", con una animación de la NASA.


Venus, "el que trae la paz", dirigido por Karajan "El emperador de la música".


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2011/05/22

¡Hola de nuevo!, Stevie.


Si existen grupos que me han atrapado, han sido por la voz o personalidad de uno o una de sus miembros, este es el caso de mi afición por Fleetwood Mac. Sin desmerecer al resto de la banda, reconozco que la mayoría de las canciones que me gustan de la agrupación, son las vocalizadas por Stevie Nicks.
Desde que inicié a escribir esta página, mis intenciones han sido la de compartir la música de mi colección y al mismo tiempo hablar algo sobre cada álbum que coloco en ella. Esta vez no es la excepción, pero con la novedad que ahora se trata de un nuevo álbum de una de mis personalidades favoritas en el Rock, Pop y Blues. Les presento el nuevo disco en solitario de una de mis voces predilectas, Stevie Nicks, "In your dreams".
Quien no olvida canciones como "Sara", "Dreams", "Landslide" o "Gypsy", por decir algunas, sabe de lo que estamos hablando. La inconfundible voz de Stevie, de tono grave y sensual, atrapa, como una narradora exótica que no quieres dejar de escuchar y te hace disfrutar de cada una de sus interpretaciones, ya sea en Fleetwood Mac o en sus trabajos en solitario, que son muchos. Es alguien que ha logrado llevar su carrera de solista de forma paralela a su trabajo grupal con mucho éxito.
Podría pasar escribiendo sobre ella mucho tiempo, pero no es ese el objetivo de hoy, pasemos a su última gema, "In your dreams" (2011).
Desde la primera canción, "Secret love" (por cierto, escrita en los 70' y entregada por la artista hasta hoy) el oyente se da cuenta que no va a parar de escuchar el disco hasta terminarlo, disfrutar de esa voz que no cambia para nada en el tiempo, equivale a un "hola, de nuevo". Esperar diez años desde "Trouble in Shangri-La" (2001) para un nuevo álbum es algo que vale la pena. La eterna rubia, con aura de encanto, misticismo, como salida de un cuento de hadas, aún tiene para rato en estos tiempos de música "moderna".
La segunda pieza del album, "For what it's worth", es una auténtica canción de Folk, melancólicamente bella. La canción tema del disco "In your dreams" presenta a la Stevie rockera que ya conocemos, lo mismo se puede decir de "Wide Sargasso Sea" y "Ghost are gone",con buenos y aceptables riffs de guitarra. "You maybe the one" es una muestra con esencia de Blues; "New Orleans", "Annabel Lee", "Everybody loves you" e "Italian summer", son de esas canciones que gustan desde la primera vez. Finalmente, "Cheaper than free", a dúo con Dave Stewart, cierra un buen disco que, les recomiendo, ¡deben escuchar! y agregar a su colección, vale la pena comprarlo.

"Secret love"



"For what it's worth"



"In your dreams"



"New Orleans"



"Annabel Lee"



"You maybe the one"

2011/05/19

¡Los Cinco! (Parte 1 de 5)

Cuando se habla de Música Clásica Rusa, normalmente se viene a la mente el nombre del más universal, Tchaikovsky. Pero existe un selecto grupo de hombres que decidieron recopilar la esencia de La Madre Rusia y plasmarla en su música para alejarse del estilo europeo de la época en la parte baja del siglo IXX. Como resultado de ello, el movimiento nacionalista ruso de corte romántico se impuso en cuanto a música importa, y luego se trasladó a los demás aspectos del arte. Dicho grupo estaba formado por Mili Balákirev, César Cui, Modest Músorgski, Nikolai Rimski-Kórzakov y Aleksandr Borodín. 
Los cinco ("El gran puñado")
Lo más notorio que hace a este grupo, ya por defecto excepcional, es que en su mayoría eran autodidactas y tenían otros intereses aparte de la música; Borodín era químico, Rimski-Kórzakov, un oficial de la marina, Músorgski también tenía una carrera militar.
Hoy me ocupo de uno de ellos en especial (parte 1), de los menos conocidos, menor perfil, y menos prolífico. Lo anterior no significa que se pueda decir lo mismo de la calidad de su trabajo, en efecto, es una obra de alto calibre, grandiosa, dramática y definitivamente ¡hermosa! Aleksandr Porfírievich Borodín, conocido occidentalmente como Alexander Borodín, es el primero de este grupo que hace su presencia en esta página (esperen al resto en relatos futuros). Completamente autodidacta, aprendió a tocar diversos instrumentos, especialmente la flauta, el piano y el violoncelo. En su vida profesional fue respetado tanto como músico y químico, con descubrimientos notables en este campo.

Borodín es mi favorito del grupo, su obra, aunque corta, es de gran calidad. Ahora les presento sus tres sinfonías, de las cuales la tercera quedó inconclusa.
Esta versión está a cargo de Stephen Gunzenhauser,  dirigiendo a la Orquesta Sinfónica de Bratislava.
Les dejo aquí partes de las sinfonías, para que tengan un acercamiento a su música. Una vez más, disculpen los inconvenientes pues he tenido que crear nuevamente los vídeos a partir del disco.

La primera sinfonía es de mis preferidas, su primer movimiento es definitivamente bello, con un inicio enigmático, que gana dramatismo conforme el tiempo transcurre, hasta alcanzar la notas de grandeza en los primeros minutos... luego..¡escuchad hasta el final!



Acá tienen el primer movimiento de la segunda sinfonía, ¡música Rusa en su máxima expresión!



Primer movimiento de la tercera sinfonía, la inconclusa (al morir, Borodín solo había completado dos movimientos de esta obra)
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Disfruta el disco completo

2011/05/15

Cuando un piano y un contrabajo se unen, ¡la noche es sublime!

La velada comienza con unas sutiles presiones sobre el teclado, que se incrementan mientras el tiempo avanza, dando una clara idea de lo que vendrá después. La pieza atrapa desde el principio y no hay manera de dejar de escuchar al pianista mientras las melodías brotan de sus manos como un torrente controlado a voluntad de un Dios. A mitad de la obra ingresa un contrabajo, que se amalgama perfectamente con los sonidos de las teclas... Los aplausos no se hacen esperar, pues el dúo de la noche por fin está integrado para dar un recital sublime. La segunda pieza es una muestra de habilidad, virtuosismo,  maestría e improvisación que sigue arrancando sonidos de las palmas de quienes están presentes. Las cinco restantes no se quedan atrás, ¡hay que escucharlas!
Los dos de la noche son Charlie Haden y Kenny Barron, el concierto es grabado y presentado bajo el nombre de "Night and the city" (1998).

El hallazgo de este disco por quien escribe fue de manera fortuita, mientras hurgaba en una sección de ofertas en una tienda. Sin dudarlo, al ver los nombres de los músicos, había que rescatarlo, era una ofensa que se quedara en ese lugar sin que la gente supiera el tesoro que ahí estaba subvalorado.
Ambos músicos tienen una gran trayectoria musical. Charlie Haden es uno de los más admirados bajistas y compositores, inició su carrera cantando a muy temprana edad, pero la polio daño sus cuerdas vocales y fue entonces cuando se decantó por el jazz, específicamente con el contrabajo. Fue junto a Ornette Coleman cuando su carrera despegó y hasta la fecha ha colaborado y producido discos con otros grandes como Pat Metheny ("Beyond The Missouri Sky", que los llevó a una gira mundial en 1997), Keith Jarret, Yoko Ono ("Plastic Ono Band") y, por supuesto, su compañero en este concierto.
Kenny Barron, se dio a conocer tocando para Dizzy Gillespie. Al igual que Haden, ha colaborado con grandes del jazz, entre los que sobresalen Stan Getz, Chet Baker, Ron Carter y Ornette Coleman. Su forma de tocar el piano es muy flexible, lo que le permite una versatilidad y adaptación a diferentes ritmos.
Este disco es para ser disfrutado con buena compañía, un buen vino... Si tiene la fortuna de encontrarlo, no lo deje ir, es una auténtica joya.

"Twilight song"




"Body and soul"






PD: Acá les presento un vídeo más de este dúo, creado y subido por el autor de este blog para su deleite.

"Spring is here"

2011/05/10

El tipo de la banda en estampida.

A "mi suegra" Ligia María Tyler, para que mañana no se muera de la emoción, sino que la viva con intensidad en Santiago... ante la presencia de Sir Paul. Dudo que puedas estudiar el comportamiento humano en esa velada, disfruta, ¡nada más!.

Cuando mi hermana mayor iniciaba su adolescencia y comenzaba a escuchar música, me arrastró a este vicio del cual no salgo desde entonces. Recuerdo que uno de los artistas que más escuchaba era a un tipo de una "banda desbandada", que su esposa le acompañaba en los teclados y coros y que había sido miembro de un cuarteto legendario, el más legendario. De hecho, uno de sus vídeos es de los primeros que recuerdo haber visto en nuestra TV, en blanco y negro, por supuesto.

En un post anterior escribí que en mi secundaria tuve un accidente que me obligo a perder el último año. En el hospital en que me encontraba me acompañaba un pequeño radio, que mi hermana, la culpable de mi vicio principal, me había dejado para que tuviera mis dosis de drogas musicales.

Una de esas noches estaba pendiente de un programa especial, lo habían anunciado días antes y no quería perdérmelo. No recuerdo exactamente todas las canciones que escuché, pero jamás olvidaré la canción que inició la velada radiofónica. Ese pequeño radio hizo que mis días y noches fueran más agradables en ese hospital. El programa en la radio era un especial de Sir Paul McCartney, el más prolífico de los cuatro de Liverpool, y uno de los artistas más admirados por quien redacta estas letras.

En esos días, muchas de las canciones que me gustaban de Paul, provenían de diversos álbumes y no sabía, ni tenía idea de como identificar a cuales pertenecían. Fue más tarde, al comenzar a coleccionar, cuando supe que uno de sus mejores discos es "Band On The Run", realmente es difícil decidir cual disco del ex Beatle es el mejor, pero tengan la seguridad que ES EXCELENTE. Con canciones como "Band on the run", "Jet", "Mrs Vanderbilt", "Let me roll it", "Picasso's last words (Drink to me)" y "Nineteen hundred and eighty five".

Es un disco para coleccionar, que merece ser comprado. Disfruten.

Band on the run


Jet


Mrs Vanderbilt


Let me roll it


Nineteen hundred and eighty five


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PD: "Mi suegra" hace dos noches (11 de Mayo de 2011), hizo este pequeño corto de "Jet" en Santiago, Chile. Acá se los dejo.

2011/05/09

La historia de Nikki (Parte 1)

1988, Nikki no es más que una víctima de un sistema que manipula y controla todo. Un adicto que huye, que sufre decepciones como el amor perdido, donde la tragedia y la realidad están conectadas. En su mundo, al no encontrar su lugar en la vida, es arrastrado por un siniestro personaje, el Dr X, que a a cambio de dosis de heroína logra que   actúe para ejecutar sus planes. En el camino, conocerá a Mary, una ex-prostituta rescatada por un cura corrupto -el padre Willian-, se hace monja, pero el cura termina abusando de ella.
Por su vulnerabilidad, es introducido a una red que se encarga de asesinar a políticos y religiosos que controlan y mantienen el estado de cosas. Cuando Nikki se da cuenta de los abusos del cura, le mata, pero su sorpresa es mayor cuando Mary rechaza los actos cometidos, con lo cual, sintiéndose confundida e impura, decide quitarse la vida.
Vaga por las calles, con la soledad que nunca le abandona, mientras se pregunta por que no hay amor en el mundo. Cuando es detenido, es internado para curar su adicción para luego ser juzgado. Mientras está en tratamiento sufre de alucinaciones, es en este estado, donde se recrea la historia del disco del cual nos ocupamos en esta ocasión.


En el mundo del Rock existen muchos subgéneros tales como el Heavy Metal, Hard Rock, Rock Progresivo, Metal Progresivo y muchos más. Pero es con el último de los mencionados en los cuales trataremos hoy. Si hay una agrupación que representa de manera Sui Géneris a ese estilo, estamos hablando de Queensrÿche, y más aún, con su buque insignia, "Operation Mindcrime". tras esta prodigiosa obra están tres músicos: Geoff Tate, Chris DeGarmo y Michael Wilton. Cabe decir acá que Geoff Tate posee una de las mejores voces dentro del Rock, y Chris DeGarmo hace un trabajo excepcional con su guitarra.
Con buena música y buena lírica, "Operation Mindcrime" es el mejor álbum conceptual de Metal Progresivo, algo que solo estaba reservado para grupos de Rock Progresivo como Pink Floyd y The Who.
También no podemos pasar por alto que en el trabajo orquestal tuvieron la valiosa colaboración de Michael Kamen.

Portada de la edición en vivo de 2001 "Operation Livecrime"
Estructura del disco.
La historia comienza en un cuarto de hospital, donde Nikki despierta y empieza a recordar su tragedia "I remember now". A ello le sigue una marcha introductoria con "Anarchy X" y un llamado de protesta y revolución en la pieza siguiente, "Revolution calling".
En "Operation mindcrime" se le encomienda una misión a través de una llamada telefónica, donde a cambio de drogas, debe hacer trabajos para el sistema. Posteriormente, en "Speak", Nikki relata las misiones que se le han dado, reflexiona sobre el estado de las cosas, sobre quienes controlan al gobierno, los medios y las leyes, sobre ellas piensa lo que el sistema dice, que todos somos iguales ante la ley, pero eso no se ve en las calles con los débiles y pobres.
En "Spreading the desease", se ataca duramente a los políticos, los religiosos, los medios y el dinero que usan para mantener el estado de cosas y como los contribuyentes pagan por las guerras que USA mantiene en lugares como Centro América (años 80) y el mundo árabe. Todo esto, mientras el pobre permanece pobre y los ricos se hacen más ricos. Aquí aparece Mary, reflejo de la historia donde es abusada por un cura, el padre Willian, que irónicamente la había rescatado de las calles.
En "The mission", la desesperanza es la tónica constante, que se refleja en la forma del canto y la música, en ella, ante las insistencias de cumplir con la misión encomendada, se le hace creer a Nikki que salvará y cambiará al mundo.
El clímax se alcanza en "Sweet sister Mary", con coros y una estructura musical que recuerda a una ópera, en ella, el personaje de la historia recibe las ordenes de asesinar a Mary y al cura. La música en esta pieza es perfecta, con la lluvia cayendo por la noche, la fusión de los coros, la voz de Mary, a cargo de Pamela Moore, hacen de esta canción una verdadera obra de arte.
En "The needle lies", Nikki lucha contra su adicción, mientras se acerca el final de Mary... Y es en la siguiente pieza, "Electric requiem", cuando la encuentra muerta, ha cometido suicidio. En "Breaking the silence" Nikki sale a las calles, sufriendo un dolor que nada ni nadie puede curar y entonces es arrestado.
Las siguientes tres piezas, "I don't believe in love", "Waiting for 22" (instrumental) y "My empty room", reflejan el dolor por la pérdida de un ser querido, la desesperanza, la falta del amor, la desolación, el camino sin rumbo...
Finalmente, "Eye of a stranger", finaliza esta ópera rock de forma grandiosa. Si "Sweet sister Mary" es el clímax en este disco, "Eye of a stranger" es el final perfecto, mientras el dolor de Nikki crece en intensidad, así lo hace la música en esta canción, que describe a la perfección, cada sentimiento, cada miedo, odio y desolación...


I remember now-Anarchy X-Revolution calling



The Mission



Sweet sister Mary



I don't believe in love



"My empty room" & "Eye of a stranger"





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En este lugar pueden escuchar la edición remasterizada del año 2003.
Y aquí la edición en vivo (también remasterizada) del año 2001.



2011/05/04

Los Virtuosos de la Guitarra Barroca

La música barroca siempre ha sido una de mis favoritas por su pasión, riqueza de ritmos, armonías y ornamentaciones, cuyos máximos exponentes son J. S. Bach y Handel, así como grandes compositores como Vivaldi, Scarlatti, y Pachelbel, entre otros.
Hace más de una década, mientras perseguía esta música me encontré con una joya, el disco que hoy pongo a vuestra disposición, "Baroque Inventions" (1995). A cargo de dos guitarristas virtuosos que se encargan de poner al barroco en sus cuerdas, Julian Gray y Ronald Pearl.

Cuando tocan, su fusión es perfecta como la música que interpretan, integrando sus talentos como una orquesta completa. Han sido aclamados por los más selectos grupos y críticos de la música por poner su virtuosismo al servicio de la música barroca.
El contenido del disco es 
- Seis sonatas de Domenico Scarlatti.
- French Suite No 5 in G Major BWV 816, de Johann Sebastian Bach.
- Overture to Rodelinda y Chaconne in G Major de George Friederich Handel.

Nota: Como no encontré algo para reproducir en la  web,  he creado tres muestras, usando la portada como imagen de fondo para que escuchen a este prodigioso dúo. Disculpen las imperfecciones, es mi primera vez.








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Les invito a que disfruten de esta prodigiosa muestra de guitarras y alimenten sus sentidos.

2011/05/02

¡Ale Jestem..!

Muchas veces en la búsqueda por la música me he encontrado con descubrimientos que llegan de una forma encadenada. Y esto se ha dado en cada género musical que sigo, pero en mayor medida, en mi afición por el Jazz. Escuchando a mis artistas favoritos me han conectado con otros y otras, que de ninguna otra forma les hubiera conocido.
Por mi apego a Pat Metheny descubrí a una de las voces más bellas de la Europa del Este -y del mundo-, a través del álbum "Upojenie" (2002), en el cual el guitarrista de jazz colabora con la  protagonista de éste artículo.  En tal disco, la artista se presenta de forma omnipresente diciendo, como su canción que la llevó al reconocimiento europeo  - y luego mundial -,  "Ale Jestem" (en polaco: Yo Soy)... Anna María Jopek, cantautora y pianista polaca.
El disco que presento hoy es "Farat" (2003), un álbum en  vivo, donde Anna María nos da una muestra de su energía y hermosa voz, desde canciones de corte romántico y suave, hasta aquellas en las que la improvisación del grupo que le acompaña, es magistral.
El concierto está en polaco, con muchas influencias de Jazz - Bossa, Soul, y algo de Pop. ¡Una exquisitez!





"Ale Jestem" 
(Con esta canción despegó su carrera)



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Acá pueden ver una reproducción del concierto. Y aquí pueden disfrutar del disco.

2011/05/01

Muere un Grande...

Hoy solo celebramos la vida (no la muerte) y obra de Ernesto Sábato. Su legado es inigualable en las letras hispanoamericanas.
El científico que hizo investigaciones sobre radiaciones atómicas, será más reconocido por su importante obra literaria en la cual destacan sus novelas, "Sobre héroes y tumbas", "El túnel", "Abaddón el exterminador" y muchos ensayos que disfrutamos los amantes de su lectura. Su obra fue un deleite, y quedará en el inconsciente colectivo de toda una generación lectora.
Larga vida a Ernesto...

El inolvidable disco que preparó el camino de un álbum clásico.

Para Xenia, (deseando que tu presencia en El Azteca, sea inolvidable).

En la historia de las producciones musicales escasamente se visualiza el trabajo previo que lleva a producir un excelente disco. Ese es el caso del álbum "The unforgettable fire" de la banda Irlandesa U2.
Como muchos de los grupos que admiro y sigo, U2, es de esos que siempre les he llevado la pista desde que los escuché por primera vez en mi época de la secundaria.

Etiquetado como grupo de Rock, Rock Alternativo, Post Punk, etc., es una banda que ha caminado y reinventado a lo largo de su historia sin perder su identidad, su carisma, su alma.
"The Unforgettable Fire" es el primer disco que escuché de los cuatro irlandeses, de un cassette prestado y recopiado, como muchos otros porque en esos tiempos no habían más alternativas. Representa un gran salto en su estilo con respecto a sus trabajos anteriores, que recordaban al Punk, para dar el giro que los llevaría al multipremiado e indiscutible "The Joshua Tree".
Personalmente, es mi disco favorito de la banda, cuyos temas en su mayoría giran en torno al existencialismo, que se puede apreciar en canciones como "A sort of homecoming", "The unforgettable fire" y "Bad" -para el que escribe, ¡las mejores del álbum!-. 
"Pride (In the name of love)", es una canción que la mayoría de melómanos amantes de este genero reconocen  de principio a fin, con directa referencia a los hechos del 4 de abril del 68' en Menphis. Lo mismo se puede decir con "M. L. K". 
A manera de plagio, tomando una de las palabras del título, se trata de un disco "Inolvidable" en la historia de    la famosa banda Irlandesa.
Como una curiosidad adicional, "The unforgettable fire" fue grabado en una sala del Castillo Slane, en Irlanda,  en cuyos predios aledaños suelen darse conciertos, festivales y más actividades culturales. En el vídeo "U2 Live from Slane Castle", se puede ver un documental sobre la producción del disco.

"A sort of homecoming"



"The unforgettable fire"



"Bad"



"Pride (In the name of love)"



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En 2009 se publicó una edición que contiene canciones adicionales y distintas versiones de las canciones del disco original, entra aquí.