2011/04/25

Habib Koité & Bamada... ¡Sin palabras!

Esto me ha pasado muchas veces. Obtener un disco por mera intuición y dejarlo ahí sin escuchar por eones.
La foto a la izquierda es una ironía, en ella retrato la etiqueta de ser el último disco de un GRAN GUITARRISTA MALINÉS (¡de 2007!). 
La pongo  acá porque en estos días de ocio, reorganizando mi archivo musical me encontré con esta joya, que he estado escuchado en los últimos dos días. ¡Grata sorpresa!, ¿Cómo no la escuché y compartí antes? Levanta los ánimos en cualquier estado en el que te encuentres.
Hasta la fecha solo había titulado una entrada por su propio nombre, a Pink Floyd y su Dark Side Of The Moon.
Pero para hacer justicia a todos esos grandes ignorados y olvidados (por mí, por supuesto) como Habib Koité y su grupo Bamada, debe llevar su nombre. como ven en la foto, el álbum se llama "Afriki", y las sensaciones que despierta su audición son encontradas. 
Mezcla de ritmos africanos, Jazz, Blues, Reggae y World Music, Koité logra elevar tus sentidos hasta las más altas emociones. Su guitarra es sublime, su voz es perfecta. La verdad, no se que dice en su idioma, solo se que debes de escucharlo y sentir ese sentimiento que solo la música puede transmitir, pues la música es universal, recuerden el título de este blog...
Tengo muchas cosas tiradas por ahí que aún no han sido leídas, escuchadas ni vistas. Pero tengan la seguridad que cada tesoro que encuentre, además de los que ya conozco, serán compartidos pues no merecen estar archivados.
El álbum te atrapa desde su primera pista, "Namania", simplemente bella con su melancolía y alegría conviviendo al unísono, no se como lo logra, pero deben escucharla..

"Namania"



A ella le sigue "N'tesse", una pieza que levanta el espíritu...




"Afrika", el tema homónimo del disco no se puede quedar atrás.




"Fimani", el gran guitarrista de Malí hace de las suyas... ¡Admiradle!



"Mali Ba", una hermosa canción, de esas que gustan desde la primera vez...



"N'Teri", hagan su propia conclusión...



Finalmente, para que tengan una idea completa de esta joya, "Titati".



En conclusión, ¿que puedo decir?, es una verdadera reliquia que estaba escondida en mi desorden, pero espero con esto, resarcir mi egoísmo y mostrar a los que osan leer estas líneas, lo grande que es Habib Koité. Disfrútalo completamente aquí.

2011/04/24

Lastimo, luego existo.

Esta frase no es mía, fue de un gigante,  pero me tomo la libertad, si se quiere decir así, para plagiarla. En su Sinfonía No 5 en E menor Op 64, su obra más personal, Piotr Ilich Tchaikovsky hace eco del tema de esta entrada, tomado de su diario personal.
Tristemente bella, dolorosamente cierta, la cual se centra en el destino, ese destino que para mi no es dictado por los dioses de la mitología, sino por las vicisitudes de la vida y los actos de cada uno.
En la clase de redacción de la universidad me pidieron que hiciera un ensayo sobre una obra de arte, de la que fuera, entonces escogí esta obra clásica. Elegí esta pieza por que acababa de obtener este disco. Hoy no estoy copiando lo que escribí entonces, la verdad ni me acuerdo, lo que importa es "el mood" que me mueve para volver a ella.
Esta obra es para mi la más grande que el ruso más famoso de la música hizo, debe ser por que es la más íntima, su leitmotiv en los últimos años de su vida.
Consta de cuatro movimientos, y sus pretensiones se escuchan desde las primeras notas, inicia con vientos en una forma pasiva y reflexiva, que luego van tomando fuerza, la lucha contra el destino. Mientras avanza, el oyente se va metiendo de lleno en la obra, como asumiendo como propio lo que el autor desea transmitir. La maraña central de este movimiento es avanzar en la tempestad, contra las fuerzas de la naturaleza y la vida misma. Finaliza pasivamente, como un buque que acaba de abandonar la peor de las tempestades.
El segundo movimiento inicia con una calma, que va cobrando nuevos bríos mientras la obra sigue su curso, en todo esto, la belleza de la música no se pierde en ningún momento, parece que cobra más fuerza, de forma paradójica, como si el dolor es lo único que nos lleva a la conciencia de estar vivos. En la parte central hay una caída rítmica, pero no es más que para volver a cobrar el ímpetu, cual fuerza que acude para recordarnos que no hay que bajar la guardia.
El tercer movimiento es un vals alegre, que sirve como un respiro en el largo camino, pero su final brusco nos hace volver a la realidad.
Finalmente, el cuarto movimiento esta lleno de vida, y según algunos, representa el triunfo del destino. En lo personal, no representa tal triunfo, sino la confirmación de la completa dominación del destino auto impuesto  en el camino de la vida misma, que tras creer que hemos abandonado la tempestad inicial, sintiéndonos a salvo, nos enfrentamos a la peor de las travesías.

1er movimiento, parte 1



1er movimiento, parte 2



Aquí pueden ver una lista de reproducción completa con la Orquesta Filarmónica de Leningrado, conducida por Yevgeny Mravinsky

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La obra íntegra puesta aquí, está a cargo de la Prague Festival Orchestra, conducida por Pavel Urbanek.

2011/04/20

No se engañen, ¡este grupo se acabó cuando se fue una de sus almas!

Uno de mis amigos con los cuales he intercambiado música en los últimos 15 años me dio una vez un CD de un grupo de Rock, del cual me dijo que era muy bueno. Admito que tal como me ha pasado siempre, y a veces con mucho que lamentar, soy algo renuente a las cosas desconocidas y tomé el disco sin ponerle  suficiente atención. A pesar de escucharlo, estaba con una barrera auto impuesta a no aceptar más de lo que ya había, tenía y conocía en cuanto a Rock se refiere.
Unos años más tarde, cuando conseguí un álbum en vivo de mi grupo de Rock favorito a través de una tienda en línea, me recomendaron un disco en directo del mismo grupo. Por alguna curiosa razón lo obtuve y al escucharlo me acordé de aquel disco que había rechazado, pues en él estaban canciones de ese álbum, muy buenas y bien ejecutadas con maestría y virtuosidad.
Después de eso, decidí obtenerlo, no prestado, sino para mi colección personal. El disco antes rechazado es "Images and Words" (1992), y desde entonces surgió mi afición a uno de los grupos más emblemáticos del Rock en los últimos 22 años, específicamente, del Metal Progresivo, Dream Theater
Formado por unos tipos que estudiaron en el prestigioso Berklee College Of Music, Dream Theater ha sido un grupo que siempre mantuvo una identidad propia y ha buscado estar al margen de lo que las compañías productoras quieren imponer por lo que dictan las modas. 
La base del grupo han sido tres miembros permanentes desde su origen, John Petrucci (guitarras), John Myung (bajo) y Mike Portnoy (baterías), alumnos de la escuela antes mencionada. 
En 2010, Portnoy decide tomar un descanso y ante la negativa del grupo queda fuera de la alineación, razón por la cual la banda sigue hasta la fecha en búsqueda de un reemplazo. Ante dicha noticia, muchos de los seguidores de la agrupación, incluyendo quien escribe esta nota, pensamos que la banda se acabó. Mike Portnoy es junto a Petrucci, uno de los puntales y sin él, Dream Theater ya no será lo mismo.
"Images and words" es un disco rico en virtuosidad, musicalidad, muy dinámico, lleno de riffs y cambios en la estructura musical dignos de una gran obra clásica, cada canción es una caja de sorpresas para aquel que lo escucha con atención. Su lírica es genial, y cada uno de los miembros hace un trabajo digno de la escuela que los parió. ¡Disfruten y aprecien!, que aún dentro de un género a veces tratado injustamente como música de segunda, tercera o ninguna categoría, tiene sus momentos de grandeza.


"01 Pull Me Under"



"02 Another Day"



"03 Take The Time"



"04 Surrounded"



"05 Metropolis Pt 1 (The Miracle & The Sleeper)"



"06 Under A Glass Moon"



"07 Wait For Sleep"



"08 Learning To Live"

"Admitámoslo, a todos nos gustaría tocar el sax como lo hace él..."

La afirmación que titula esta entrada podría ser válida para cualquier mortal, pero teniendo en cuenta quien la dijo, es contundente, John Coltrane. Se refería a "The Sound", Stan Getz, el saxofonista que inmortalizó a la "Chica de Ipanema". 
En la primera mitad de los años 60´s, Getz incursionó en el Bossa Nova, colaborando con músicos brasileños, entre ellos Antonio Carlos Jobim y la pareja Joao Gilberto y Astrud Gilberto.  
Con su primer álbum de esta corriente titulado "Jazz Samba" (1962) logró un éxito inmediato, que a la postre, con temas como la canción homónima -una versión de "So Danco Samba" de Jobim- y "Desafinado", repercutió en el reconocimiento y fusión del Bossa Nova dentro del mundo del Jazz. Con su segundo disco, "Getz/Gilberto" (1963),  la versión de "La chica de Ipanema" hizo del Bossa Nova un estilo reconocido y muy popular.
Hoy presentamos una colección que recoge esos años, "The Girl From Ipanema, The Bossa Nova Years" (1989), que consta de 4 discos con lo mejor de esos años.
El paquete incluye versiones instrumentales y vocalizadas de éxitos como "The girl from Ipanema", "Corcovado", "So danco samba", con la hermosa, exótica y sensual voz de Astrud Gilberto, así como de otros cantantes.  Miren y escuchen...



"Only trust your heart"

"The girl from Ipanema" (Astrud Gilberto/Stan Getz)

Una versión más de esta hermosa canción.


"Corcovado"

"Desafinado"

"So danco samba"

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Alegra tus sentidos con este cuádruple álbum aquí

2011/04/18

El violonchelo que Interpreta a Los Cuatro de Liverpool

Ofra Harnoy es una violonchelista canadiense de origen israelí que descubrí gracias a un club de discos de música clásica a mitad de los 90´s. En una de las ofertas del club estaba este disco que hace tributo a la música de Los Beatles. Como toda estrella del género, Ofra comenzó su carrera a temprana edad, su debut fue a los 10 años y se consagró interpretando el concierto para violonchelo de Offenbach a la edad de 18 años en 1983.

En esta grabación le acompañan el Cuarteto de Cuerdas de Orford y el Cuarteto de Cuerdas de Armin, cuya fusión con la interprete resulta en una amena forma de disfrutar la música de los cuatro de Liverpool desde una perspectiva clásica.

Entre las canciones incluidas en este álbum se encuentran: Free As A Bird, Eleanor Rigby, And I Love Her, In My Life, Yesterday, Lucy In The Sky With Diamonds, Hey Jude, y por supuesto, La canción que da el título a esta producción, Imagine.

Debido a que no se encuentran en la web vídeos sobre este disco, dejamos algunas interpretaciones de Ofra Harnoy para que puedan apreciar su talento. Como ya es usual, pueden disfrutar del Imagine íntegramente en este lugar.







El disco que puso a prueba prueba los límites del equipo de sonido.

Un buen disco es una mezcla de muchas cosas: temas, letras, voces y SONIDOS. Y si el disco es de un músico que ademas de su talento es ingeniero de sonido consagrado tras grandes producciones, algunas consideradas las mejores de la historia del Rock, como "The Dark Side Of The Moon"  de Pink Floyd y  "Abbey Road" de The Beatles, es un disco que debe ser escuchado con mucha atención.
Alan Parsons, el referente del sistema de sonido 5.1, tiene una larga trayectoria musical y por la calidad de su trabajo a colaborado con grupos como los mencionados arriba, así como Yes, Paul McCartney y Al Stewart.
Alan Parsons - Eric Woolfson
Después de aportar mucho al éxito de otros, Alan decide iniciar su carrera junto a otro ingeniero de sonido, Eric Woolfson, formando así el proyecto denominado "The Alan Parsons Project". La simbiosis entre ambos era perfecta, de  tal manera que Parsons se encargaba de la producción, composición, concepto y arreglos, mientras Woolfson escribía, ayudaba en la composición y cantaba algunas canciones. 
El proyecto realizó grandes producciones gracias a la experiencia ganada con los grupos para los cuales habían trabajado, siendo su primera gran obra "Tales Of Mystery And Imagination" en 1976, un  trabajo conceptual basado en los cuentos de Edgar Alan Poe. Al primer álbum le siguen: "I Robot", basado en los cuentos de Isaac Asimov, "Pyramid", "Eve", "The Turn Of A Friendly Card", "Eye In The Sky", "Amonia Avenue", "Vulture Culture", "Stereotomy" y "Gaudí", así como varios discos recopilatorios.

En 1993, presenta su primer álbum sin Woolfson, abandonando así el proyecto y presentándose simplemente como "Alan Parsons". El disco se titula "Try Anything Once", por primera vez no se trata de un álbum conceptual, sin embargo el sello personal de Alan se nota en cada pista. Al disco le acompañaba una etiqueta que decía "The ultimate album to test the limits of your CD player".Posteriormente se lanzó una edición especial en "gold plate", con la cual reafirmaba el slogan de la edición normal y está lleno de excelentes canciones en líricas y efectos de sonido. 

En él participa la Philharmonia Orchestra, dirigida por Andrew Powell, quien ya había colaborado en anteriores proyectos con Parsons.

Escucharemos algunas canciones contenidas en el disco.



La primera pista, "The three of me" tiene una introducción muy sinfónica con una perfecta fusión de rock progresivo y música clásica. 



A ella le sigue "Turn it up", excelente canción, lírica y musicalmente hablando. 



"Mr Time", con un poco más de 8 minutos de duración, que recuerda a los trabajos hechos por Parsons en grandes producciones anteriores y la excelente vocalización de Jaqui Copland.



"Jigue", una perfecta combinación de música clásica y rock sinfónico



"Dreamscape", un hermoso trabajo instrumental



"Siren song", hermosa canción a cargo de Eric Stewart.



"Oh life (there must be more)", finaliza con broche de oro esta excelente producción.



PD. En el año 2005, tuve la oportunidad de asistir a un concierto llevado a cabo en mi país, la experiencia fue única, a pesar de las limitaciones técnicas del recinto en el que se llevó a cabo, Alan Parsons y su banda dieron una reseña de toda su producción, en las cuales incluyeron canciones de este álbum.
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Como siempre, aquí pueden disfrutar del álbum completo



2011/04/17

El pianista que sobrepasa todas las fronteras.

Para muchos, en el mundo del Jazz no hay duda que Herbie Hancock es uno de esos pianistas históricos que está a la altura de grandes como Bill Evans, Chic Corea, Bud Powell, Thelonius Monk, Keith Jarret, por mencionar algunos. 
Al mismo tiempo, apartándose de ese nivel obtenido, tenemos a un músico que ha recorrido casi todos los estilos del género y surcado caminos que algunos puristas rechazarían de un tajo. Uno de esos ejemplos es su álbum "Future 2 Future" (2001), una fusión de jazz funk, música electrónica y hip-hop.
En esta ocasión no nos ocuparemos del álbum en mención, sino, del DVD, "Herbie Hancock Future 2 Future Live" (2002). Acompañado por un selecto grupo de músicos y la participación especial de DJ-Disk en los tornamesas, vemos a una banda mezclando una gran cantidad de ritmos e influencias para dar como resultado un concierto único. Ver a Herbie saltar del piano a los teclados electrónicos es algo que no debe perderse.
Les dejo unas pistas de este concierto para que se hagan una idea de lo que estamos hablando.










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Acá pueden disfrutar de todas las pistas de audio de este concierto.

2011/04/14

¡New Wave, New Wave!

A veces quedan discos por ahí que uno ha  dejado de escuchar por mucho tiempo, y cuando vuelven a ser oídos despuntan con más fuerza.
Del grupo que hablamos hoy, no es de Jazz, ni Rock, Mucho menos Clásico. Pertenece a una corriente que surgió a finales de los 70's y cobró más fuerza en la segunda mitad de los 80´s, el New Wave. A dicha corriente pertenecen bandas como Breathe, Information Society, The Cure, Depeche Mode, Erasure, INXS, New Order, Crowded House, Simply Red...
La lista es interminable y esta llena de excelentes grupos, que hay muchas teclas que presionar para ocuparse de todos. Como uno de los objetivos no es llevar un orden establecido, esta vez es el turno de Icehouse.
Son una banda australiana que data desde 1977 y ha sido liderada por Iva Davis desde su formación hasta el presente. En ella han desfilado muchos integrantes, razón por la cual, la esencia del grupo radica en la personalidad de Davis. 
El disco de ahora es "Man Of Colours", de 1987. Siempre he pensado que ese año fue muy bueno en producción musical en diversos géneros, y este disco no se queda atrás.

Dotado de una excelente voz dentro del género, Iva Davis hace que sus canciones posean cierta fuerza cuando se necesita como en "Crazy", "Electric blue" y "My obsession".  Admito que esas canciones son de las que pegan a la primera escucha por su ritmo y la fortaleza de la voz. Lo mismo se puede decir cuando se trata de canciones mas reflexivas, como "Man of colours", "Heartbreak kid" y "Sunrise", simplemente hermosas, o aquellas de ritmo más relajado y fresco como "The kingdon".
En definitiva, "Man of colours" es un disco que puede disfrutar y/o ser un buen comienzo para éste género musical que recomiendo mucho. Disfruten.




"Crazy"



"Electric Blue"



"My Obsession"


"Man Of Colours"



"Heartbreak Kid"



"Sunrise"



"The Kingdon"



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Acá pueden encontrar todas las pistas de este álbum.


El disco para la isla desierta.

Stephen Hawking es por hoy, el cosmólogo y físico teórico más famoso que devela los misterios sobre la estructura, evolución, (pasado presente y futuro) del Universo.
En su libro "Agujeros Negros y Pequeños Universos", Hawking relata su experiencia cuando estuvo en el famoso programa de la BBC, "Discos Para La Isla Desierta". En tal programa han desfilado toda clase de personalidades desde políticos, científicos, escritores, y artistas de todo tipo. 
A lo largo de la entrevista, cada invitado, llamado "náufrago", debe elegir ocho discos, un objeto de lujo y un libro de compañía (asumiendo que en la isla ya se encuentran La Biblia, El Corán u otro libro equivalente, además de todas las obras de Shakespeare).
No cansaremos a los lectores con toda la lista de los discos escogidos por el científico, sino por aquel que tendría que escoger si solo fuese uno, sobre él dijo "Tendría que ser el Réquiem de Mozart. Sería capaz de escucharlo hasta que se agotaran las pilas de mi walkman".


Wolfgang Amadeus Mozart o "el milagro que Dios hizo nacer en Salzburgo", es mi compositor favorito en este género, su música es simplemente "HerMozart". Muchos hechos de la vida del genio están llenos de una mezcla de mitos y verdades. La película "Amadeus" presenta uno de los mitos sobre el Réquiem, en la cual se relata que fue encargado por su rival Antonio Salieri, de forma anónima, para asesinarlo y usar la obra en su nombre para la misa de difuntos en honor al Músico. La realidad es que fue encargada por un aficionado a la  música que había quedado viudo,  el conde Franz von Walsegg.

Dado que Mozart dejó inconcluso su trabajo, existen dos versiones de la obra en sus últimos movimientos, la más común es la que completó su discípulo  Franz Xaver Süssmayr. La otra es la de Franz Beyer, que se encargó del estudio y restauración de varias obras inconclusas del Músico. Es paradójico que siendo, según los expertos,  la versión que más se ajusta al estilo Mozartiano, no sea la más popular, y esto se debe en gran medida a que es una edición del siglo XX.
Debido a su rareza, ponemos para su disfrute y comparación con la edición de Süssmayr, la versión de Beyer, y es una de las mejores versiones que se han hecho de ella, bajo la dirección de Sir Neville Marriner y la orquesta de la Academia St. Martin in the fields.

Entrar aquí para disfrutar de esta extraña pero hermosa edición: Mozart Réquiem (Beyer edition).

2011/04/10

Alfa y Omega (hasta la fecha) de un Guitarrista de Jazz.

Uno nunca sabe lo que va a quedar al término de una relación. Pero puedo decir lo que quedó de mi de una relación a inicios de la década pasada. El padre de mi novia de ese tiempo, es una persona muy culta, poeta, soñador y amante de la música y las artes en general. Por la música de la cual hablábamos y los discos que intercambiábamos en las pláticas que teníamos, conocí con más profundidad a artistas como Páez, Café Tacuba, Cerati, Dead Can Dance, y artistas nuevos como Pedro Aznar, Spinetta, Bill Evans y... Pat Metheny.
Pat, quien cuando toca su guitarra cierra los ojos y gesticula como si estuviera en comunión con ella, parece que le habla, que le canta, que le hace una plegaria. Pat, quien comenzó su andadura en la primera mitad de los 70's, quien estuvo con artistas como Jaco Pastorius, Gary Burton, la multi talentosa Joni Mitchell, entre otros, es para mi el guitarrista predilecto, sobre cualquier género musical. Pat, Innovador incansable, creador de la Guitarra Picasso, que todo mundo quiere ver cuando da un concierto.




1977 Watercolors (El Alfa).



Luego de acompañar a grandes artistas, decidió iniciar su proyecto con un disco presentado en solitario en 1977,  "Watercolors". Para quien lo escucha la primera vez parece un álbum fresco, bonito, que evoca ritmos de Smooth Jazz. En él se aprecia el talento del genio, desde los primeros acordes en la primera canción (homónima), tiene la curiosa y antagónica atmósfera de tranquilidad y virtuosidad al mismo tiempo. En el disco se puede escuchar a su compañero de toda la vida en su andadura musical, Lyle Mays, excelente pianista con quien posteriormente formarán el proyecto Pat Metheny Group.
Todos los temas están relacionados con el agua, y el sonido en general presagia el derrotero con constante crecimiento que el artista ha seguido hasta la fecha. A continuación les dejo unas pinceladas de su primer álbum para que se hagan una idea de lo que estamos hablando.

"Watercolors"


"River Quay"


"Sea Song"





2010 Orchestrion (La Omega).



Desde el "Watercolors" hasta la fecha, Pat a recorrido un largo camino y alcanzado el reconocimiento de todo el mundo, a llegado hasta, como dice el slogan de Star Trek, "donde nadie había llegado antes". Expresar lo que este hombre a logrado con este disco no es suficiente con simple narrativa, mejor escuchemos sus propias palabras al respecto:


Como vemos, el hombre logró realizar el sueño del Orquestrión, el cual era controlar todos los instrumentos de su orquesta con artilugios mecánicos y recibiendo gran apoyo con la tecnología actual, transformándose así,  en el único elemento humano. Actualmente Metheny se encuentra en gira con su proyecto, y donde va, no hace más que acrecentar su leyenda.





Nos ocuparemos de la primera canción, Orchestrion, dura casi 16 minutos y cualquier expectativa se disipa al comenzar a escuchar esas notas, conforme avanza, van ingresando los demás instrumentos que Pat controla con artilugios agregados a su guitarra y pedales. El hombre orquesta se erige cual gigante entre los instrumentos. Al llegar al ecuador de esta pieza de arte auditiva, el oyente está atrapado y solo  se dedica a escuchar "el todo". El momento cumbre es a la altura de los 12 minutos, de ahí en adelante es un final descomunal, ¡orgásmico!




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Para disfrutar este par de discos puedes visitar estos sitios: 






2011/04/08

El cassette que era la copia, de la copia, de la enésima copia...

Geddy Lee, Alex Lifeson & Neil Peart

En 1986 volví a mi colegio de secundaria después de haber perdido el año anterior por un accidente que me dejó marcado física y espiritualmente de por vida. Como conocía a algunos, no fue un regreso tan traumático. Ahora ese es el grupo que reconozco como el de mi clase, la del 86', la misma que a finales de este año celebrará 25 años.
Entre los nuevos amigos que hice ese año estaba uno de mis primeros mentores musicales, era de los que se encargaban de traficar con otros compañeros la música que salía en esos tiempos. Una viva imagen que tengo es cuando llegó con un álbum que fue la envidia de todos, lo portaba con orgullo y delicadeza, cual si fuera una joya preciosa y frágil. Todos le pedimos inmediatamente que nos hiciera una copia en cassette. Con mucha pena debo decirles que posteriormente ese disco paso a mis manos y lo tuve durante años hasta que por una decisión estúpida lo vendí, lo siento amigo. 
Hoy no me ocupo de ese disco, el cual merece una entrada aparte, todo lo anterior es para ilustrar el contexto bajo el cual conocí a mi banda favorita de Rock.
Un día pregunté a mi amigo si tenía algo más que me pudiera pasar, al siguiente día me llevó un cassette, que parecía regrabado mil veces. Me dijo, "éste es Rush, espero te guste". Tomé esa cinta y me la llevé a casa sin muchas expectativas. No sabía si era una selección de canciones, o un álbum. Pero más impresionante para mi fue darme cuenta que era el trabajo de tres tipos canadienses muy dedicados a lo que hacen, Geddy Lee (voz, bajo y teclados, ¡Todo a la vez!), Neil Peart (con todo lo que se pueda golpear, principal escritor, simplemente: ¡El Mejor!) y Alex Lifeson (Guitarras). El disco en cuestión es "Moving pictures".




Moving Pictures (1981)


1. La primera es una canción emblemática, icónica, que nunca debe faltar en sus conciertos, "Tom Sawyer". Comienza con sintetizadores, batería y bajo al unísono seguido de la voz de Geddy Lee cantando sobre el célebre personaje de Mark Twain, la impresión que causa al escucharla en el álbum de estudio es el trabajo hecho en su estructura musical, y que no se pierde en sus presentaciones en vivo. Rush es la banda más fiel en vivo al trabajo que presenta en sus producciones de estudio.





2. Después de tan agradable prólogo, se viene una de esas que para mi gustan desde la primera escucha, "Red Barchetta", ejecutada con una riqueza de ritmos, cambios y tonalidades increíbles a lo largo de toda su extensión.






3. Hasta aquí, el viejo cassette ya me había atrapado pero faltaba lo mejor, "YYZ", una canción instrumental brillante, la cual es el código IATA asignado al aeropuerto de Toronto. La base de la canción son los ritmos correspondientes a "YYZ" en código Morse.






4. "Limelight", una canción musicalmente hermosa y muy profunda en contenido lírico, sobre la privacidad, el sueño universal. 


"Living in the Limelight,
The universal dream
For those who wish to seem.
Those who wish to be
Must put aside the alienation,
Get on with the fascination,
The real relation,
The underlying theme..."





5. La siguiente canción dura casi 11 minutos, pero quien se compenetra en ella no se da cuenta del paso del tiempo. "The Camera Eye", iniciando con una gran introducción que supera los tres minutos. Esta canción representa el punto de inflexión que da inicio a la era de los sintetizadores en Rush, que tuvo su climax en el álbum "Hold Your Fire" (1987).  (versión de estudio).









6. "Witch hunt". Como su nombre lo indica, trata sobre la cacería de brujas, el uso del miedo para manipular y someter a las personas. Para su realización, el uso de los sintetizadores son imprescindibles, pues los ritmos y la narración logran llevar al que escucha a meterse en la historia.







7. Finalmente, "Vital signs", tiene un ritmo más comercial y se aleja un poco de la estructura general del disco, pero eso no le resta méritos a la obra. Como la mayoría de las canciones escritas por Peart, trata sobre temas profundos tales como relaciones humanas.









El viejo cassette regrabado mil veces... tuvo que ser copiado una vez más, ¡se quedó para siempre!.. ¿Y Rush? muy simple, SE CONVIRTIÓ EN MI GRUPO FAVORITO DE ROCK.


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En este lugar puede encontrar una excelente colección de Rush, ¡garantizado!