2011/12/14

Los Cuadros de Una Exposición (2a Conexión, al piano se suma una orquesta)

Maurice Ravel
Es más conocido por su Bolero, que hasta fue parte del espectáculo de la gran final de fútbol de Francia 98', donde las modelos de Yves Saint Laurent convirtieron en pasarela la cancha del Stade de France con el Bolero de fondo, y mientras el mundo aficionado al fútbol esperaba el partido, la ceremonia previa se convirtió en todo un despliegue de cultura.

Maurice Ravel, el autor de tan brillante pieza musical es el responsable de esta segunda parte de Los Cuadros de Una Exposición, responsable por haberse tomado el trabajo de acompañar con una orquesta la obra de Mussorgsky.

De estilo impresionista, así como muchos de su tiempo durante la primera mitad del siglo XX, dio forma a la nueva música neoclásica y vanguardista que introdujeron nuevos elementos a la música académica, no sin antes pasar por el ojo de los más conservadores quienes criticaban duramente su trabajo.

Con grandes dotes de pianista, Ravel fue un compositor consumado del cual no solo hay obras para piano sino que tiene un gran repertorio de composiciones para orquesta. Es en  este campo del cual el francés se valió para acompañar con una orquesta la obra de Mussorgsky. Con este gran trabajo de orquestación, el galo agrego "nuevos colores" a los cuadros descritos por el famoso "miembro de los cinco".



En los cuatro vídeos puestos acá pueden apreciar la version orquestada por Ravel. La orquesta es la Filarmónica Nacional de Rusia, dirigida por Ion Marin.










2011/12/11

¡Los Cinco! (Parte 2 de 5) - Los Cuadros de Una Exposición (1a Conexión, El Piano)

Esta es una entrada dual. Es la continuación de "Los Cinco" y desde acá se bifurcará para iniciar otra secuela, "Los Cuadros de Una Exposición".

EL SEGUNDO DE "LOS CINCO".

Modest Mussorgsky es el segundo de "Los Cinco" (los seguidores de la genuina música Rusa, iniciada por Mikhail Glinka) que trato en esta página. Proveniente de una familia terrateniente venida a menos en una región de la cual nunca se desprendió sentimental y culturalmente, razón por la cual su música evoca los sentimientos de los pobres y desamparados, el campo, la naturaleza y los elementos.

Como digno representante de la "escuela rusa" y del selecto grupo de músicos al que pertenecía, del cual una de sus principales peculiaridades era la de no tomarse el asunto de la música de forma profesional, es decir, no  consideraban vivir económicamente de ella (Mussorgsky tenía una formación militar), dio como resultado la música que ahora se conoce como el Nacionalismo Ruso. Todas estas características hicieron que al agregar libremente a sus composiciones elementos populares, los llevarían a explorar y experimentar con  música que se salía de lo convencional. Mussorgsky era de los más audaces en este arte.

LOS CUADROS DE UNA EXPOSICIÓN (1a Conexión, El Piano).

Partiremos desde acá para la primera parte de cinco entregas sobre una de las obras más grandes. Iremos  desde el comienzo con la obra original del genial ruso, hasta llegar a ver lo que pueden llegar a ser distintos matices, colores, olores y sabores de una obra inmortal. La secuencia será desde la fuente original rusa (el piano), seguido de la versión orquestada de un músico francés (segunda conexión, la edición orquestada); un japones experto en sonidos electrónicos y sintetizadores le da nuevos matices a los cuadros (tercera conexión, los sintetizadores), para pasar al Rock Progresivo por parte de tres ingleses  (cuarta conexión, el Rock Progresivo) y, finalmente, ver como un grupo alemán convierte esta obra en Trash Metal (quinta conexión, el Trash Metal).

Algunas pinturas de Hartmann descritas por la música de Mussorgsky
Aunque les parezcan heréticas las dos últimas entregas proyectadas, les pido que no juzguen antes de tiempo, no son más que tributos a un gigante y su obra, son la conexión existente en la música y mi trabajo es mostrárselas para ver que sin importar el género que preferimos, la música esta interconectada.

Originalmente, la obra se llamó "Suite Hartmann" y fue un homenaje a la obra pictórica en exposición póstuma de un amigo del compositor, el pintor Viktor Hartmann. Los cuadros del pintor empujaron a  Mussorgsky a "describirlos" musicalmente. Solo un gran artista puede hacer una copia de una pintura y volver a dibujarla con notas musicales. Este fue su homenaje a un amigo y el resto de la humanidad está más que agradecida por semejante proeza. La mayoría de los cuadros se perdieron pero la siguiente lista de las pinturas (y su descripción) las he tomado textualmente de aquí, y son:



1. El gnomo. La visión terrorífica de un ser regordete, cuasi dantesco.

2.- El viejo castillo. Una nostálgica contemplación.

3.- Tullerías. Niños que juegan en aquel célebre lugar parisino.

4.- Bydlo. Una carreta en su accidentado rodar, tirada por bueyes.

5.- Ballet de los pollitos en sus cascarones. Una escena cómica, salida de bosquejos de Hartmann para el vestuario de un ballet.

6.- Samuel Goldenberg y Schmuyle. Una acalorada discusión entre dos judíos, uno rico y el otro pobre.

7.- El mercado de Limoges. Algarabía entre los tenderos y quienes van a abastecerse de viandas.

8.- Catacumbas. Una acuarela de Hartmann subtitulada Con la muerte en lengua muerta, nos muestra al pintor con V.A. Kenel y un guía con una linterna a la entrada de unas catacumbas a las afueras de París. En esta sección, Mussorgski dio cuenta de su gran pesar por la pérdida de su amigo pintor.

9.- Baba Yaga (La cabaña con patas de gallina). Este es el diseño de Hartmann para un reloj que muestra a la cabaña de la famosa bruja. La música nos inspira el vuelo de tan curioso personaje.

10.- La gran puerta de Kiev. Nuevamente un diseño de Hartmann, capturado por la música de Mussorgski de forma grandiosa, elegante, expansiva.


En este vídeo pueden apreciar a Gintaras Janusevicius, ejecutando de manera íntegra la versión original de Mussorgsky, en la competencia "Arthur Rubinstein" de maestros del piano en Tel Aviv, mayo de 2011.


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No se pierdan las siguientes entregas de las versiones futuras de esta obra. La próxima es la versión orquestada de un famoso compositor francés.
Como casi siempre, en este lugar puede escuchar la versión de esta obra a cargo del pianista Ivo Pogorelich.

2011/12/08

¿Qué tienen en común "La Marsellesa", "La Guerra y la Paz", "Dios Salve al Zar" y "V de Vendetta"?

Lo primero es que todos sabemos del famoso himno francés, luego algunos hemos tenido el enorme placer de leer la novela de Leon Tolstoi, otros desconocíamos el himno ruso de la época de los zares. Por último, algunos hemos visto "V de Vendetta", quizá porque nos dijeron que era una buena película, lo cual es cierto, o nos inclinamos por verla porque en ella actúa la bellísima Natalie Portman (No, ella no es mi tía, es algo más...), lo cual, también es cierto.

La pregunta solo es satisfecha por "La Obertura 1812" de Piotr Ilich ThaikovskyEsta obra es una típica muestra de la música descriptiva. En ella se puede percibir la invasión de una potencia extranjera sobre un pueblo que lucha por su libertad, el combate cuerpo a cuerpo, la batalla, la agonía, el patriotismo, la derrota, la victoria final...

Compuesta por el gran músico para conmemorar la victoria final de Rusia sobre las fuerzas de ocupación francesas comandadas por Napoleón. La música relata con mucho ingenio y fidelidad el sentir de esa guerra, de la misma forma que Tolstoi lo hizo con su pluma al escribir su novela inmortal.

Los ritmos iniciales expresan religiosidad y aflicción por parte del pueblo ruso, mientras le siguen fragmentos de la Marsellesa, clara muestra de la llegada del los invasores, cuando los franceses se acercan a Moscú se escucha una vez más el himno de Francia, pero luego empieza a decrecer mientras suben las notas militares mostrando el asedio ruso a las tropas de Napoleón. Finalmente, la Obertura termina con marchas triunfales y disparos de cañones.

Como una curiosidad más, en pasajes de la película "V for Vendetta" se escuchan fragmentos de la marcha triunfal de la Obertura.

La versión que pongo a su disposición es la del gran director de origen italiano Claudio Abbado, dirigiendo a la Orquesta Sinfónica de Chicago (CSO). El disco incluye tres obras más, la "Marcha Eslava", "Romeo y Julieta" y "La Tempestad".



Parte triunfal de la Obertura 1812 ejecutada por Claudio Abbado y La CSO.



"Marcha Eslava" (Claudio Abbado y la CSO)



Fragmento de la película "V for Vendetta" en el cual se escucha parte de la Obertura.


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Disfrute aquí esta grandiosa producción.

2011/12/01

Mini Post, año 1, No 12. (Un pequeño tributo a Ronnie)


Esto lo hizo en 2009, ya tenía casi 70 años (67 para ser exactos) y estaba luchando contra el cáncer...pero su fuerza, su entusiasmo, lo mantenía haciendo lo que siempre quiso. No solamente hacía lo que verás en este vídeo, también tocaba la trompeta, bajo, guitarras y armónica.
En esta grandiosa canción decía "Die Young, die young" y así fue. Ronnie James Dio "murió joven" al año siguiente. De estatura pequeña como la mía, pero con una de las voces más grandes de la historia del Rock... 

¡Eres Grande Ronnie..!

Black Sabbath, "Die Young"


Gather the wind 
Though the wind won't help you fly at all 
Your back's to the wall 
Chain the sun 
And it tears away to face you 
As you run, you run, you run! 

Behind a smile 
There's danger and a promise to be told 
You'll never get old 
Life's fantasy 
To be locked away and still to think you're free 
You're free 
We're free! 
So live for today 
Tomorrow never comes 
Die young, die young 
Can't you see the writing in the air? 
Die young, gonna die young 
Someone stopped the fair 

Gather the wind 
Though the wind won't help you fly at all 
Your back's to the wall 
Then chain the sun 
And it tears away to face you 
As you run, you run, you run! 

So live for today 
But tomorrow never comes 
Die young, young 
Die young, die young 
Die young, die young, young 
Die young (x7)



2011/11/28

Folk, Rock, Jazz, Artes Plásticas... ¿Qué más se le puede pedir a Joni Mitchell?


Por estas páginas ya han desfilado cantantes y compositores (hombres y mujeres) de altísimo nivel pero aún quedan muchos y muchas por descubrir. Una artista que encaja perfectamente (y con creces) en la anterior descripción es Joni Mitchell

Se ha ganado el respeto y admiración de todos en los últimos 40 años a tal grado que su música ha influenciado a artistas de diversos géneros y muchas de sus canciones han hecho famosos a más de alguno y/o alguna. Sin embargo su vida no ha sido nada fácil, por ejemplo, quedar embarazada en la adolescencia (1965) y tener que ceder en adopción una hija para salir adelante (se reencontró felizmente con ella  treinta años después, es la modelo canadiense Kilauren Gibb).

Algunas de las pinturas que adornan las portadas de sus discos.
Otra de sus pasiones es la pintura, basta ver las portadas de la mayoría de sus discos para ver su arte plasmado en ellos. Sobre pintar, dice de sí misma: "I'm a painter first, and a musician second...", "I have always thought of myself as a painter derailed by circumstance."

Volviendo a su música, es una excelente guitarrista que primero incursionó en el Folk, el Rock, y en la segunda mitad de los 70´s se interesó por el Jazz. El tono de su voz es muy peculiar debido a su hábito de fumar desde muy temprana edad.

Es de su época de Jazz que ahora presento uno de sus más ambiciosos y exitosos proyectos, su concierto "Shadows & Light" (1980). El contexto del concierto es en 1979 durante la gira de su álbum "Mingus" (1979), en honor al gran bajista Charles Mingus, una leyenda del Jazz. Para ello tuvo bajo su mando a toda una constelación de estrellas, juzguen ustedes la siguiente lista de nombres:

- Joni Mitchell: Guitarra eléctrica y vocales.
- Pat Metheny: Guitarra líder.
- Jaco Pastorius: Bajo.
- Don Alias: Batería.
- Lyle Mays: teclados.
- Michael Brecker: Saxofón.
- The Persuasions: segundas voces en algunas canciones.
- Toller Cranstons: Skates.

Los nombres hablan por sí mismos y para no cansarles escuchemos algunas canciones del Shadows & Light.

Nota: Debido a cuestiones de tipo legal, no hay en la red vídeos de este concierto, solamente con imágenes y fotos, pero les dejo algunas muestras para que disfruten de la música de esta increíble mujer.

¿Qué más se le puede pedir a Joni Mitchell?.. que siga siendo ella misma y que nos dé su música mientras la vida le de bocanadas para continuar...


"Both Sides"



"Amelia"


"In France, they kiss on main street"




"Coyote"



"Jaco's Bass Solo"

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En este lugar puedes disfrutar del audio en alta calidad de Joni Mitchell's Shadows & Light.

Y en este lugar puedes ver el vídeo del mismo concierto.

2011/11/22

¿Está Usted De Broma, Sr Feynman? (Mini post, Año 1, No 11)

"Que una persona haya podido inventar por sí sola tantas inocentes diabluras en tan solo una vida, ha de servirnos, sin duda, de inspiración".
Ralph Leighton

Este Mini Post  no trata de un artista de la escena musical, mucho menos de un compositor, nada que ver... Es un espacio para honrar a uno de "Mis Tíos". Son mis "Tíos" y "Tías", todos los personajes, artistas de todo tipo, escritores, científicos, humanistas, filósofos, etc... que despiertan una gran admiración en mi persona (muchos de los músicos tratados en esta página son "mis tíos").


Richard "Dick" Feynman fue uno de los grandes. Premio Nobel de Física por su electrodinámica cuántica, que ayudó a comprender nuestro Universo desde la física de partículas. Un tipo con gran sentido del humor, amante de enseñar, excentrico, y... loco por percusión al estilo samba, específicamente el bongó.
Con ustedes, "mi Tío Dick", tocando el bongó..


PD: El título del post (¿Está Ud de broma, Sr Feynman?) es un libro de carácter autobiográfico que leo actualmente y recoge anécdotas sobre la vida del eminente físico, lo recomiendo. Además, aquí pueden leer un artículo muy ilustrativo sobre Richard Phillips Feynman.

2011/11/13

La música de "los Reyna" (2a parte).

En la anterior entrada de Rock, traté sobre esos amigos y vecinos de mi infancia que aportaron mucho en mi afición por la música rock. Creo necesario volver a presentar otra gran producción cuyas notas escuché por primera vez gracias a Efraín Reyna, al proporcionarme discos de su colección para ser escuchados en el viejo tocadiscos de mi casa.

Se trata de una gran banda, de un gran disco (sin título), que contiene algunas de las canciones más emblemáticas de la historia del Rock 'n' Roll. Me refiero a Led Zeppelin y su cuarto álbum: el "Untitled", "Zozo", "Runes", "Four Symbols", "Four", "Sticks", o simplemente "Unnamed". Para la gran mayoría es conocido como Led Zeppelin IV y fue publicado el 8 de noviembre de 1971, el disco cumplió 40 años hace tres días, ¡Feliz Cumple innombrable!

El cuarteto formado por Robert Plant (voz), Jimmy Page (guitarra), John Paul Jones (bajo) y John Bonham (batería), cuyos nombres están escritos en las runas que aparecen en la primera imagen de esta nota, dichas runas son lo único que el disco trae en su contraportada (aparte del nombre del grupo y la lista de canciones, claro está). Se dice que las razones por las cuales el disco no tiene título es por las críticas recibidas en su anterior disco (Led Zeppelin III). Con o sin título, Led Zeppelin IV quedó en los anales de la historia por su grandiosidad, por la propuesta hecha por los cuatro ingleses que dio origen a varios subgéneros del Rock, entre ellos, el Hard Rock y el Heavy Metal.

El disco empieza con "Black Dog", impresionan los tonos altos de la voz de Plant desde el principio, con esa música que invita a seguir el ritmo Hard Rock que ya se estaba gestando en esas épocas. La segunda canción debe ser declarada el himno del Rock 'n' Roll; si, "Rock 'n' Roll" es de esas canciones que, si alguien dice gustar del rock, y no la conoce, realmente está perdido.

La cuarta canción es una obra de arte, hermosa  y profunda en su lírica, monumental en su música, "Stairway to Heaven", se quedó para siempre. La septima canción, "Going to California", tiene claras influencias de música country.

Lo mismo se puede decir del resto del disco, "Misty Mountain Hope" y "Four Sticks", son semillas de lo que más adelante se conocería como  Hard Rock y Heavy Metal.


"Black Dog"



"Stairway to Heaven"



"Rock 'n' Roll"



"Misty Mountain Hop"



"Four Sticks"


2011/10/25

Una muestra de superación inigualable: únase a la Bonatología.

Es para quien escribe estas líneas, un personaje excepcional, digno de admiración, un ejemplo de superación y un ser con un carisma especial... Es Richard Bona, y llegué a su música gracias a Pat Metheny. Mi primera impresión sobre él es cuando Pat lo presentó en un concierto describiéndolo de la siguiente manera: "Richard Bona, on everything...", y es cierto, el gran guitarrista no se equivocó con presentarlo así, el camerunés está en todo; voz, guitarra, bajo y todo lo que se puede tocar.

De orígenes muy humildes en su natal Camerún, comenzó desde niño haciendo maravillas con la música que tocaba, inspirado únicamente con el simple  hecho de ver y escuchar, construyó sus primeros instrumentos con cosas tan rudimentarias como latas, alambre y todo lo que pudo encontrar para simular aquellos sonidos que producían los aparatos  musicales que no podía costearse. No tengo suficientes palabras para expresar mis respetos por este grandioso músico, de tal manera que por más que hoy diga de Él para convencerlos, no bastaran.

Decidió decantarse por el Jazz cuando el dueño de un bar en el que tocaba le prestó un disco de Jaco Pastorius, desde esa fecha su instrumento principal es el bajo. Emigró a París y en la actualidad está radicado en Nueva York, ha tocado con los más grandes del Jazz contemporáneo, entre ellos Bobby McFerrinPat Metheny y Mike Stern; los dos últimos ya han sido tratados antes (aquí, aquí y aquí) en esta página.

Su música es una mezcla de Jazz con mucho virtuosismo y ritmos que provienen de sus raíces africanas, no tiene ningún  problema en ejecutar distintos estilos, lo cual es una muestra de su versatilidad a la hora de hacer sus presentaciones,  ya sea en colaboración con otros grandes o en solitario.

Anímense a escuchar a este grande. Para ello les presento algunas muestras de su primer disco de 1999, "Scenes From My Life". En él, Richard nos presenta su visión de la música, nos muestra su increíble habilidad para el canto, su maestría para  la ejecución de los instrumentos, y una deliciosa mezcla de sus ritmos autóctonos con el Jazz. ¡Relajante a más no poder!, disfruten de este maravilloso artista que se ha formado a sí mismo superando todas las adversidades.


"Dipita"




"Souwedi Na Wenge"




"Eyala"




"Na Mala Nde"




"Eyando"



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Como un bono, acá lo tienen con la banda de Pat Metheny: "Bright Size life"




Junto a Mike Stern: "The Paris Concert"

 


Acá pueden disfrutar de su discografía completa.

2011/10/24

Mini post. (Año 1, No 10)

Para quien fue la inspiradora de este mini espacio... Mi Suegrita. Acá están tres grandes, Mi Suegro, Tal Wilkenfeld y Jeff Beck, aunque sea por unos cuantos segundos...


2011/10/23

Los vídeos de ésta... y muchas semanas más.

Tienen entre sus producciones, canciones para las cuales no hay palabras ni adjetivos para describirlas o etiquetarlas dentro del Rock Progresivo, y la música en general, solamente escúchenlas una y otra vez... 


"The Great Gig In The Sky"




"Comfortably Numb"




"Wish You Were Here"




"Time"




"Us And Them"




"On The Turning Away"




"Coming Back To Life"

2011/10/22

MTT y el "Alma Brasileira" (Villa-Lobos).

Se le conoce simplemente como MTT, por las iniciales de su nombre, Michael Tilson Thomas. El post anterior  está etiquetado, entre otros, como “conexiones” y es que la entrada de Gil Shaham es una especie de preludio para este pequeño artículo dedicado a otro de los grandes directores modernos que admiro mucho desde la década de los 90, antes mencionada por la cantidad de música clásica que en esos tiempos  llegó a mis manos.

En 1988 Fundó la orquesta New World Symphony, de la cual es su director artístico hasta la fecha y cuyo objetivo es la preparación de jóvenes talentos procedentes de todo el mundo, y con ello, difundir la música.

MTT & Renee Fleming
Entre su repertorio como director, destacan sus interpretaciones de Gustav Mahler, Igor Stravinsky y George Gershwin, así como del gran compositor estadounidense  Aaron Copland. No solo es  aclamado, reconocido y un consumado director de orquesta, sino que además es uno de los más respetables compositores de la música académica actual. Entre sus trabajos destacan “Los diarios de Anna Frank”, “Shówa/Shoá” (en memoria de las víctimas de la bomba de Hiroshima, en su 50º aniversario), y los “Poemas de Emily Dickinson”.

El disco que hoy presento es muy especial,  pues reúne al  Gran Director, una grandiosa voz, Renee Fleming (merece una entrada aparte, espérenla), una prestigiosa orquesta, New World Symphony, y la música de uno de los más grandes compositores de América, el brasileño Heitor Villa-LobosEntre las composiciones más grandes del gran músico brasileño están sus famosas "Bachianas Brasileiras", inspiradas, como su nombre obviamente lo sugiere, en la música del gran compositor  alemán.

El álbum se llama "Alma Brasileira, Music of Villa-Lobos" (1996), y contiene las "Bachianas Brasileiras No's 4, 5, 7 y 9"; e incluye su "Chorus No 10". La excelente voz de la soprano (Fleming) se puede apreciar en las "Bachianas Brasileiras No 5".



Bachiana Brasileira No 4 (parte 1)




Bachiana Brasileira No 4 (Parte 2)




Bachiana Brasileira No 5 (con Renee Fleming)



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Disfrute más de esta producción, en este lugar.

Los Romances de un grandioso violinista.

Esta es la primera de dos entradas dedicadas a la música académica, que he dejado abandonada por un tiempo.

Primeramente tenemos a un gran violinista de origen israelí, Gil Shaham. Desde temprana edad mostró su talento tocando para una de las leyendas del violín, Isaac Stern, y su posterior incursión en la esfera clásica fue de   manera fortuita al reemplazar a otro violinista gigante de Israel, Itzhac Perlman, en una serie de conciertos con el director Michael Tilson Thomas y la Orquesta Sinfónica de Londres en 1989.

Desde entonces hasta nuestros días, Gil a estado en la cumbre de los grandes ejecutores del hermoso instrumento medieval, tan genial que hasta hay quienes atribuyen (o quisieran) a Da Vinci como su inventor. Precisamente utiliza un Stradivarius para sus interpretaciones. Sus grabaciones las hace en su mayoría para el prestigioso sello alemán Deutsche Grammophon, quienes hacen (para mí) de lo mejor en lo que a música clásica existe en este mundo.

El disco que hoy les presento es uno de esos que han estado conmigo desde mediados de la década de los 90, cuando mi colección de música clásica tuvo su mayor auge. Es una selección de piezas clásicas de diversos autores titulada "Gil Shaham Romances" (1996), hermosas interpretaciones tocadas con  gran  habilidad y delicadeza, que deja embelesados hasta a los más reacios al violín.

El álbum contiene composiciones de Edward Elgar, Fritz Kreisler, Johan Svendsen, Beethoven,  Tchaikovsky, Pablo de Sarasate y Anton Dvorak.

Le acompañan en esta producción los miembros de la prestigiosa Orpheus Chamber Orchestra, cuya trayectoria data desde hace más de cuarenta años.

Les dejo con tres preciosas  muestras de este disco, que muestran el talento de este brillante violinista... Con ustedes: GIL SHAHAM ¡disfruten!


Edward Elgar, "Salut D'Amour, Op 12"


Pablo de Sarasate, "Romanza Andaluza"


Beethoven, "Romance No 1 in G Major, Op 40"


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Si le gustó, acá puede disfrutar el disco en su plenitud.

2011/10/11

La música de "los Reyna"

Cuando estaba entre mis trece y catorce años tuve como vecinos a los primos Reyna (Efraín, Maurico y Manuel). Los recuerdo mucho porque ellos eran unos tipos "buena onda", que rondaban los veinte años y estaban muy metidos en la onda hippie, futbolística y... rockera. El mayor de ellos, Efraín, tenía una colección de vinilos de Rock envidiable, y por alguna razón, me confiaba algunos para que los escuchara en un viejo tocadiscos que tenía en casa.

Uno de los discos que me prestó fue una colección de éxitos de un grupo escoces llamado Nazareth, precisamente se llamaba "Nazareth Hot Tracks", esa es la primera de mis experiencias de escuchar un álbum completo.
Una de estos días lo venía escuchando mientras regresaba a casa y rememoré aquellas grandes canciones que escuché en esa época que nunca volverá, pero que fue muy importante para el desarrollo de mi gusto por la música. No se dónde estarán esos amigos mentores de mi conocimiento musical en lo que a Rock respecta, pero lo cierto es que su huella quedó impresa en mí de por vida.

Muchos recordarán a Nazareth por un par de baladas románticas llamadas "Love hurts" y "Where are you now". Pero a mi me impresionaron las canciones de corte más pesado que escuché en esa selección de éxitos, tanto que aun hoy me atrapan como cuando las escuché por primera vez.

He aquí algunas de esas canciones que pertenecen a ese disco (¡ Díganme!, ¿cómo no iba a gustarme la música desde esa temprana edad con ese vinilo, cuyos surcos fueron más ensanchados por la aguja de mi viejo tocadiscos?).

"Razamanaz"


"Hair of the dog"


"This flight tonight"


"My white bicycle"

2011/10/02

¡¡¡POMPLAMOOSE !!!



Ellos son una pareja que hace su música de forma casera y la ponen en la red, específicamente en You Tube. Son tan buenos que merecen estar tanto en dos categorías de esta página: "Mini post" y "El vídeo de la semana". 

Por recomendación de mi amigo, Humberto Molina, acá tienen a Pomplamoose (Jack Conte y Nataly Dawn), quienes hacen música propia y covers ejecutando diversos instrumentos, luego los mezclan  para regalarnos sus poemas musicales. Personalmente creo que hay que apoyar a estas personas llenas de talento, como muchas que hay sin descubrir. Dado que la semana pasada no hubo ninguna de estas entradas en esta web, hoy la tienen por partida doble...
...Espero disfruten de su música tanto como yo.
Les dejo más de un vídeo... ¡Disfruten!



Nature Boy - Nat King Cole


Monster Mask - Pomplamoose


Pomplamoose - If You Think You Need Some Lovin


Mister Sandman - The Chordettes


Expiration Date - Pomplamoose VideoSong


Single Ladies (Put A Ring On It) - Beyonce

Entren a su página aquí, y disfruten de todo lo que hacen.

2011/09/25

El grupo que musicalizó una obra inmortal de la Literatura Universal.

En mi perfil manifiesto que he sido un amante de la música desde mi adolescencia, pero es contradictorio el hecho de darme cuenta que existen grupos que datan desde mis primeros años de vida, y hasta hoy los estoy descubriendo. Lo más curioso de todo esto es la forma en que a veces los descubro.

Otra más de mis aficiones es la lectura, y hoy es a través de ella que he llegado a este descubrimiento. El premio nobel de literatura, John Steinbeck, escribió, basándose en la gran depresión de los años treinta del siglo XX, su novela más hermosa (para mi) y representativa de su escritura, "The Grapes Of Wrath" (Las uvas de la ira).

Dicha lectura me atrapó de tal forma que me hizo leer más sobre el tema, sobre el contexto de la crisis de los años de la gran depresión y su parecido con las crisis actuales. No voy a detenerme en analizar el tema en este post, pero pueden entrar aquí para ver los datos del autor y su novela, o aquí para leer un análisis profundo y bien documentado sobre el paralelismo de la obra con la crisis de nuestros días. La novela también inspiró la película del mismo nombre en 1940, protagonizada por Henry Fonda y dirigida por John Ford. Dado que este es un blog de música, vamos a lo que nos toca.

¿Cuál es la conexión entre "Las uvas de la ira" y la música?

Como ya dije antes, la lectura de esta bella obra me  condujo a buscar todo lo relativo a ella, e inevitablemente  me llevó a mi pasión favorita, la música. En 1991, el grupo de rock progresivo y rock sinfónico, Camel, que data desde los 70´s y es uno de los representantes de la música progresiva de esa década, llevó a los estudios de grabación la creación de un álbum conceptual basado en la novela del laureado escritor, el disco se llama "Dust and dreams". Inmediatamente me di a la tarea de obtener el disco, escucharlo, analizarlo y conocer la historia de sus miembros.

En ese entonces, la alineación de la banda no era la original, pero la permanencia de su líder y alma creadora, Andrew Latimer, vocalista, letrista, tecladista, flautista y excelente guitarrista, hizo que la esencia de su música no se perdiera.

El resultado del trabajo fue un gran disco, del cual pienso que pasó casi desapercibido debido al desconocimiento de muchos sobre lo que trata el mensaje de la novela, solamente entre sus fans de corte incondicional se coló muy bien. En búsqueda de información, leí sobre personas (en blogs, foros musicales, etc.) que manifestaban que el disco es lento, el disco es demasiado melancólico, incluso de ser un disco malo. Aunque en muchos se hace mención de la obra en la cual está inspirada esta producción, casi nadie hace referencia a lo que en sí el disco trata de transmitir, ni que se trata de un trabajo inspirado en un gran libro.
Andy Latimer

Es desde ese punto de vista que hoy presento este disco para que ustedes juzguen su belleza desde el contexto de Las Uvas de la Ira , ya sea por justicia y/o por no saber nada de esta banda, hay que dar al César lo que es del César. Como no puedo obligar a los lectores a leer un libro, les invito a que busquen una reseña de la novela para entender y contextualizar la estructura del disco, un disco de puro rock progresivo, rock art, rock sinfónico, todo en uno.

Nota: a continuación están los vídeos de todo el disco, con mis comentarios, algunas canciones están en vivo (en directo) pues no pude encontrarlas en su versión original. También incluyo las letras de las cuatro canciones que están vocalizadas.

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(Nota: hoy es 24 de Febrero de 2013, y he vuelto a este post por que lo recomendé a una persona especial,   y me he dado cuenta que algunos vídeos ya no están disponibles. Por ello he tenido que buscar otros, por ejemplo,  encontré un vídeo en vivo que incluye las primeras cuatro canciones del álbum)

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01) Dust Bowl. 
Es una introducción con sintetizadores de corte suave, pero con una profundidad innata, describe la sequía y las tormentas de polvo que hicieron que los campesinos del centro lo perdieran todo e iniciaran la marcha hacia una "tierra prometida". En su álbum del mismo nombre, ya tratado en este blog, Joe Bonamassa hace alusión a esta situación.


02) Go West.
La primera de las cuatro canciones con letras de todo el disco. Latimer narra cómo se emprende el viaje "al paraíso" a una nueva oportunidad... 

It was the very edge of summer
the air was thin the sky more pale
Dusty roads I remember
Oh so well...
The winds of future blew around us
The owners came to tell their tale,
feelin' like a piece of paper
in a gale.
Go West, go West.
where there's fruit in every place
a smile on every face...
Go West, go West...
Where there's work (so I'm told)
California's never cold,
so Go West...
We sold part' our lives
for 18 dollars...
Bought a Hudson Super-6
Travelled on down the highway
with no rest...
Childhood memories behind us
Grown-up feelings lie ahead,
Asked my Dad why we're going
and he said...
Go West, Go West
Where there's fruit in every place
a smile on every face...
Go West, Go West...
Where there's work (so I'm told)
California's never cold... so,
Go West...



03) Dusted Out.
Las notas cargadas con una melodía sinfónica, perfecta, es el preludio para la marcha.


04) Mother Road.
Los riffs de la guitarra de Latimer anteceden y acompañan a su canto en la segunda canción con lírica de la obra. Rock progresivo al más alto nivel, la música está bien estructurada y cada instrumento está a la altura de las circunstancias.

You've made your decision to leave
there's no turning 'round.
Now that you've got a reprieve,
you must stand your ground.
Some of the others are weak,
so you must be strong
$155 won't last very long...
Ma, will we make out,
do you think that this old car
will last?
Pa, is there some doubt,
if our bad luck will
stay in the past?
Well I'm hoping it's so,
but you can't really know til the end.
They tell me that all things must change
but they begin again.
Listen to the motor and the road
and how does it feel?
Listen with your ears and your hands
on the steering wheel.
Ma, will we make out,
do you think that this old car will last?
Pa, is there some doubt,
if our bad luck will stay in the past?
Listen now boys,
what your ma has told you
there is no way we can tell...
We've got to face this road together
and have some faith
in ourselves.
Ma, will we make out,
do you think that this old car will last?
Pa, is there some doubt,
if our bad luck will
stay in the past?
Ma,
Will we make out..?



01 Dust Bowl - 02 Go West - 03 Dusted Out - 04 Mother Road
(live)




05) Needless (live).
Pieza instrumental que describe la llegada a Needles, entre los límites del desierto y la tierra buena, pero las cosas no siempre son lo que parecen ser.




06) Rose Of Sharon.
La canción de "Rosasharm". Si han soportado llegar hasta aquí en lo que va del disco, están a punto de escuchar una de las canciones más bellas que se han hecho en el mundo del rock progresivo, tanto en su letra como en la música que le acompaña, ¡simplemente hermosa! Representa la incertidumbre ante lo desconocido.

Love, are you awake or are you sleeping?
I'm so excited I could die...
starting out our lives.
Must make some plans for the future
now we need to settle down...
make a home our own.
What we gonna do when the baby comes?
It won't be long.
Love, am I awake or am I dreaming?
I'm so excited I could cry.
At times I'm so afraid.
Say you'll get a job
and never leave us...
Though I know you'll make it right,
Find a better life.
What we gonna do when the baby comes?
It won't be long.
Don't you ever go,
say you'll never leave
Promise you won't ever leave.
Don't leave me,
We need you.
Rose
I will try to settle down but
I can't tell the future
Rose
I will try to stay around but
I don't know the future
Oh Rose,
you'll never know,
just how much I need
you so.
Oh Rose, you'll never see
Just how much you mean
to me
But Rose,
This road is so hard and long
and I just can't say.





07) Milk 'N' Honey.
Perfectamente amalgamada con la preciosa canción que le antecede, esta pieza instrumental es el puente con la cuarta canción con letras del disco.




08) End Of The Line.
Una vez llegado al final del camino empieza la búsqueda por la supervivencia y por salir adelante. La realidad muestra que lo que se esperaba al llegar a la tierra prometida no es tan fácil. Andy Latimer, con su interpretación en esta canción, refleja el sentir y las frustraciones del personaje principal de la novela, Tom Joad, que en la película de John Ford fue interpretado magistralmente por Henry Fonda.

Well I'm walking this lonely street
but I'm far from bein' alone
'Cause everyone I meet,
has nowhere to call home.
So they move on
from day to day,
just to stand in a line.
Well my mother she comes to me
and begs me not to fight.
For the sake of the family,
I have to stay out of sight.
So I move on
from day to day,
just to stand in a line.
On the road again
for a job I never find.
People talking...
as if we're not their kind.
I got a handbill,
says there's work up here.
Left my homeland...
and paid a price too dear.
I've come to the end of the line
there's too many men,
despair in their faces...
Each one of us hoping to find a life,
a home, a dream...
within the line.
I ain't helpless --
I just need a hand.
These are hard times,
for every kind of man.
I've come to the end of the line
there's too many men,
despair in their faces.
Each one of us hoping to find
a life, a home, a dream
a place to be.
(repeat)




09) Storm Clouds; 10) Cotton Camp; 11) Broken Banks; 12 Sheet Rain & 13) Whispers.
En esta serie de piezas la música es perfecta y meramente descriptiva, rica en instrumentalización, rock progresivo de alto calibre.

"Storm clouds" describe las nubes de tormentas que acechan sobre los campamentos de inmigrantes.

En "Cotton Camp", el trabajo de toda la banda (guitarra, bajo teclados y percusión) es de una gran maestría. Representa el duro trabajo en los campos de algodón, donde son explotados hasta la saciedad.

Unos brillantes riffs del bajo acompañados por percusión, seguidos de una guitarra enérgica hacen la transición hacia "Broken Banks", los bancos, los monstruos culpables de todas las crisis económicas, gracias a su voracidad.

"Sheet  Rain" está tan bien hecha, que la llegada de las lluvias, los truenos y la tragedia que conllevan sobre los que no tienen donde cubrirse es más que evidente.

"Whispers" muestra muy descriptivamente la calma después de la tormenta, magistralmente ejecutados con flautas, oboes, armónicas y el resto de la banda.




14) Little Rivers & Little Rose. (live)
Los teclados e instrumentos de viento, así como los tímpanos y la armónica, hacen el preludio a las dos partes finales.




15) Hopeless Anger (live).
La primera parte del final es de un ritmo que describe magistralmente el tema de la canción por medio de la percusión, fuertes riffs de guitarra, con la complicidad de los sintetizadores, teclados y el bajo. Una vez más, el rock progresivo, el rock art y el rock sinfónico hacen su fuerte presencia a lo largo de toda la canción.




16) Whispers In The Rain.
En esta canción se ha llegado al final de la historia, a un nuevo comienzo. Aún en las condiciones más abruptas, la música demuestra que es un instrumento que también nos puede llevar a la reflexión. "Whispers in the Rain" es un gran final para un disco que merece ser revalorizado, pues tiene mucho más que simplemente música, tiene alma.



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Con esto termino una de las entradas más extensas que he escrito en esta página. Espero les haya gustado, si ese es el caso, acá pueden disfrutar de este excelente álbum. Recomiendo que lean también la novela de John Steinbeck. Como dice Eloy, en su página, "La música nos hace mejores personas", a lo cual hay que agregar que también la literatura, y todas las formas del arte en general, hacen lo mismo.